Comunicación visual

La comunicación visual hace referencia al conjunto de elementos gramaticales y sintácticos que operan en cualquier imagen visual,de igual manera puede definirse como un sistema de comunicación que utiliza las imágenes como medio de expresión, es decir, transmite mensajes visuales.

Podríamos entender por lenguaje visual, al conjunto de principios que rigen las imágenes y que pueden ser de gran utilidad a quienes las producen por lo tanto se le puede definir como un sistema de comunicación que utiliza las imágenes como medio de expresión, es decir, transmite mensajes visuales.

El signo

Los signos son las imágenes que transmiten una indicación, una orden o una prohibición. La forma de estas imagen-signo o pictograma deben ser simples y claras, porque su finalidad es transmitir una información con la máxima rapidez. Ejemplos:

Los gestos de nuestro rostro (tristeza, felicidad, desengaño...).
Una mano levantada en gesto amenazante.
Un dedo en los labios para indicar silencio.
El lenguaje de los sordos.
Los logotipos indicativos: aeropuerto, transporte público, señales.
Los signos-letras de cada escritura.

El símbolo

Por último, el símbolo, que designa la imagen que representa una idea, un recuerdo o un sentimiento. Cada cultura utiliza imágenes diversas a las que otorga valor de símbolo, y define estos valores según sus creencias, gustos y costumbres. Ejemplos:

Una cruz roja símbolo de ambulancia, ayuda médica; en los países árabes es una media luna verde.
El crucifijo cristiano, la media luna musulmana, y la estrella de David judía
El negro; luto, amarillo; ánimo, el verde; esperanza y el rojo; pasión. En otros países el blanco es el color del luto
Las banderas de cada país
Paloma- paz
Monumentos-símbolos. En Madrid el monumento al 11 M, los monumentos de batallas como arcos de triunfo, obeliscos... etc

Semiosis

La semiosis es cualquier forma de actividad, conducta o proceso que involucre signos. Incluyendo la creación de un significado. Es un proceso que se desarrolla en la mente del intérprete; se inicia con la percepción del signo y finaliza con la presencia en su mente del objeto del signo.

Breve historia del mural en chile

"El muralismo en Chile, está presente como tal a partir de fines de la tercera década del siglo XX, con la visita a nuestro país del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros y la realización de su mural "Muerte al invasor" en la escuela de Chillán. Numerosos han sido los estudios que se han hecho respecto a esta disciplina artística, muy pocos han exaltado, más allá de su manera particular de abordar el problema de la imagen y las temáticas, la experiencia que implica su realización como una experiencia enriquecedora como trabajo colectivo, que mucho podría servir para enfrentar los presentes problemas que afectan a nuestra sociedad. Es por esto que hemos tomado en nuestras manos la tarea de acercar la historia del mural a las nuevas generaciones, mediante la intencionalidad de formar un breve registro analítico introductorio para el estudio de este fenómeno, no sólo como una manera de arte o como una manifestación histórica del alma social de una comunidad, sino también como una experiencia integrativa de trabajo".

Las palabras del autor dejan en claro el camino del presente artículo, el que históricamente toma los inicios del muralismo en las pinturas rupestres para luego situar el contexto latinoamericano de su desarrollo, la experiencia chilena y finalmente, lo sucedido con el Museo Urbano de Gómez Carreño.

---------------------------------------------------------------------------

En tres años de Unidad Popular, el pueblo chileno se inventó un lenguaje que desapareció al mismo tiempo que desapareció la esperanza, la alegría, la liberación de un pueblo. Los cantos se callaron con el golpe de estado. Pero también los colores sobre los muros, esas caras azules o violetas, los soles, los pájaros, esas manos que se transformaban en banderas, las banderas en poemas, y los poemas en murales simbólicos, magníficos, inmensos como el que bordeaba, sobre cerca de un kilómetro, el río Mapocho, en pleno centro de Santiago. O más simples, a veces ingenuos, torpes, casi conmovedores. Realizados por obreros, campesinos y pintores, siempre colectivos y siempre militantes, ellos contaron semana tras semana, sobre los muros de la ciudad y sobre los muros de los caminos, en las laderas de las montañas, entre cielo y arena, la historia cotidiana de un pueblo durante tres años, su vida, sus conquistas, sus consignas, y sus combates por venir - en julio, agosto, septiembre de 1973, todos llamaban a la lucha contra el fascismo-. Hoy los militares blanquearon los muros, limpiaron las fachadas. No queda nada de esas extraordinarias imágenes que eran como la expresión de un arte naciente, nuevo.

Museo a Cielo Abierto

El interés de los residentes y la necesidad de detener y eliminar el deterioro que los edificios de poblaciones, producido por décadas de contaminación que generaban los rayados y afiches que se habían apoderado del sector, fueron el motor de esta iniciativa ciudadana que el Centro Cultural Mixart hizo suya y en la cual hemos trabajado pacientemente durante 4 años para transformar el vecindario en un verdadera galería de Arte Público de acceso gratuito, sin restricciones de días y horarios para el disfrute de la comunidad en pleno, los transeúntes y visitantes del lugar.

Hoy en día el proyecto Museo a Cielo Abierto se ha convertido en la mayor expresión colectiva de arte callejero en Chile, donde comparten escenario y se entremezclan las técnicas del muralismo y graffiti con obras originales desarrolladas por los principales exponentes nacionales e internacionales, consagrados y emergentes, quienes aceptaron además que sus creaciones fueran previamente validadas por los vecinos residentes de cada muro lo que le agrega un plus de participación único y que además permite generar un sentido de pertenencia con el mural y su entorno.

Son los Artistas quienes lograron transformar un triste, gris y desmotivado barrio de viviendas sociales de los años ’60, en un verdadero santuario del Muralismo y el Graffiti en Chile y que ha llamado la atención en el mundo entero.

Son 40 Murales gigantes y otros de menor tamaño reunidos en un solo lugar, son 4.000 m2 de Arte expuesto al Público sin resguardo alguno, sin rejas ni guardias, sin cobro de entradas, abierto en todo horario los 365 días del año; con miles de espectadores que los disfrutan diariamente, premiado y reconocido internacionalmente.

DIEGO RIVERA: "El hombre en la encrucijada"

La composición de la obra es un ejercicio simétrico comparativo, podríamos llamarlo dialéctico en términos marxista. Un hombre blanco se presenta en el centro, en sus manos están las herramientas de la ciencia y la tecnología que aluden indudablemente a su capacidad de control y manejo del mundo con miras al futuro. La tensión de la obra estalla cuando observamos la necesidad de elegir en un mundo bipolar; del lado izquierdo del mural observamos símbolos claros del mundo capitalista, según la mirada del pintor, como lo son: la policía represora, la fuerza de la religión en la estructura social, la clase burguesa, laenajenación de la juventud, la fe ciega en las teorías científicas y la guerra química.

Por la otra parte, en el lado derecho de la obra aparece el otro mundo, el del comunismo, un mundo en el que podemos adivinar confía el autor. Es aquí donde encontramos a Lenin uniendo las manos de los obreros, distinguimos también la misma figura que representa a la religión en el otro costado, pero en esta ocasión decapitada. El pueblo organizado aparece en la parte superior del mural, marchando por su derecho a gobernarse.

Es pues la obra de Diego Rivera el retrato de un mundo de entreguerras que comienza a radicalizar sus posturas político-económicas. Además de la internacionalización de una clara ola de arte propagandístico nacida en México conocida como movimiento muralista.

una mirada rápida a la obra puede recordarnos los textiles precolombinos o las fachadas multicolores de los pueblos mexicanos; sin embargo es el aire sombrío la atmosfera imperante. Una era post industrial y apocalíptica es descrita con violencia por Rivera.

El hombre controlador del universo es un hito en el arte, es una pieza clave en el entendimiento del arte como hecho subversivo, como acto político, alejándose todo lo posible de las pretensiosas vanguardias del siglo XX, plagadas de burgueses con juegos intelectuales y abstractos.

"Mono González, muralista y grabador chileno"

Alejandro "Mono" González, muralista, artista visual, escenógrafo de teatro, cine y televisión. Nació en Curicó, Chile, el año 1947.

Se formó en la Escuela Experimental Artística de Santiago, que funcionaba en el Ministerio de Educación, donde se especializó en pintura. Tuvo como profesores a Fernando Marcos y a Osvaldo Reyes, que habían sido ayudantes de pintores como Siqueiros, Orozco y Rivera en México. Posteriormente estudió Diseño Teatral en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile.

Ha trabajado en escenografías para comerciales de televisión, películas y teatro. Fue jefe de Pintura Escenográfica en el Teatro Municipal durante la década del 80, levantando los fondos de obras como Don Quijote y Romeo y Julieta. Estuvo a cargo de los paisajes urbanos de películas como Machuca, La frontera y La fiebre del loco, La lección de pintura, e incluso los escenarios de la franja del No.

Miembro de Cultura en movimiento y del Consejo Editorial de la Revista Pluma y Pincel.

Gregorio De la Fuente, muralista chileno

Gregorio de la Fuente Rojas, pintor y muralista. Nació en Santiago, Chile, el 5 de diciembre de 1910 y falleció en la misma ciudad el 28 de diciembre de 1999.

En 1927 ingresó a la Escuela de Bellas Artes del Parque Forestal donde permaneció hasta su cierre, en marzo de 1929. Allí fue alumno de Manuel Núñez y Carlos Isamitt. Continuó sus estudios en la academia particular del pintor Juan Francisco González y en 1931 se reincorporó a la Escuela de la Universidad de Chile bajo la dirección de Julio Fossa Calderón. En 1937 fue alumno y ayudante del curso de Pintura Mural al Fresco del profesor Laureano Guevara, al mismo tiempo es nombrado Bibliotecario, cargo que ejerce hasta 1946.

En 1943 realizó viajes de estudio a Argentina para observar el movimiento muralista; en 1946 el Gobierno francés lo becó por dos años y medio para realizar estudios de perfeccionamiento en la Escuela de Bellas Artes de París y en la Grand Chaumiere, además aprovechó está oportunidad para recorrer Francia, Bélgica, Holanda, Inglaterra, España e Italia.

En 1955 la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile lo nombró miembro informante de la Bienal de Sao Paulo, Brasil; en 1956 la Dirección de la Escuelas de Bellas Artes lo designó como Profesor Jefe de una delegación de alumnos que realizaron un viaje de estudios a diversas ciudades de Bolivia; en 1959 fue comisionado para realizar estudios sobre la pintura mural en México y Guatemala; en 1963 fue nombrado Comisario del envío chileno de pintura y esculturas a la Bienal de Sao Paulo, Brasil, y en 1971 realizó un viaje de estudios a España, Francia, Suiza, Rusia, Hungría, Bulgaria, Grecia e Italia.

Importante en su vida fue su labor educadora, siendo desde 1938 a 1960Profesor de Artes Plásticas de Enseñanza Media en el Liceo San Agustín de Santiago; en 1937 ingresó como ayudante de la Cátedra de Pintura Mural a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile, entre 1946 a 1948 ejerció como Profesor de la Cátedra de Dibujo, desde 1948 hasta 1953 fue Profesor de la Cátedra de Iniciación y entre 1953 a 1971 Profesor de la Cátedra de Pintura Mural. También fue miembro de la Comisión Docente de la Escuela de Bellas Artes.

Desde 1962 hasta 1968 se desempeñó como Director de la Casa de la Cultura de Ñuñoa y fue fundador y Director de la Academia de Arte Juan Francisco González. Formó parte del jurado de diversos concursos artísticos, incluyendo el Premio Nacional de Arte de Chile.

En 2007 se realizó una labor de rescate y restauración de obras del artista, incluyendo el fresco Historia de La Serena, que decora la ex-estación de Ferrocarriles de la ciudad de La Serena, Chile, recinto destinado a un nuevo Centro Cultural para la IV Región.

José Guadalupe Posada.

Nació el 2 de febrero de 1852 en Aguascalientes.

Bajo el cuidado de su hermano Cirilo, que era maestro rural, estudió las primeras letras y se inició en el dibujo. Aprendió primero grabado en madera y litografía con el maestro Trinidad Pedroza. José Guadalupe cursó estudios en la Academia Municipal de Dibujo.

Inicialmente comenzó haciendo caricaturas para el periódico político "El Jicote", pero en 1871, coincidiendo con la salida del número 11, volvió al poder el cacique Jesús Gómez Portugal, por cuyo motivo Pedroso y él marcharon a la ciudad de León y fundaron allí una nueva imprenta. Se traslada a un pueblo de Guanajuato, donde trabaja como maestro en la Escuela Secundaria y realiza litografías para libros y tarjetas. En el año 1888 viaja junto a su hijo a México D.F. donde instala su taller.

Trabajó para el editor Vanegas Arroyo, ilustrando vidas de santos, leyendas, horóscopos, etc, trabajo distribuido en ferias, mercados y calles. Fue el autor de la ilustración de dos corridos del poeta Suárez en La Patria Ilustrada. En el año 1895 José Guadalupe Posada introdujo la técnica del grabado de cinc. Colaboró en periódicos satíricos, popularizó las calaveras o 'calacas' y esqueletos utilizados como sátiras de la vida social y política mexicana.

José Guadalupe Posada falleció en México, D. F. el 20 de enero de 1913.

Breve historia del comic en Chile

La historia del cómic en nuestro país se encuentra estrechamente relacionada con el desarrollo de la historieta y el humor gráfico, que iniciaron su recorrido entre el siglo XIX y la primera mitad del siglo XX.

En sus inicios, estuvo centrado principalmente en la sátira política, y más tarde en publicaciones orientadas al entretenimiento infantil. El primer personaje de historietas nacional, Von Pilsener, fue creado en 1906 por Lustig (Pedro Subercaseaux).

A partir de 1950, la historieta comenzó a experimentar gran difusión, lo que fue de la mano del mayor número de publicaciones que circulaban en esos años, casi todas dedicadas o bien al humor para adultos o a un público infantil.

-Pepe Antartico (1951)

-El Pingüino (1956)

-Barrabases (1954)

-Mampato (1957)

-Disneylandia (1962)

-Aventuras Disney (1964)

-Fantasías (1964).

-Primer número de Condorito.

Durante el gobierno de la Unidad Popular, la editorial estatal Quimantú publicó revistas como Cabrochico y libros de cuentos con formato de historieta, en los que trabajaron destacados creadores, como Rodrigo Lira. En este período, la historieta no estuvo ajena a la polarización política que vivía el país.

Tras 1973 las revistas de comics sufrieron una importante depresión, como casi todo el mercado editorial. A partir de la década de 1980, el cómic comenzó un vigoroso retorno a la escena editorial a través de publicaciones y eventos. Como expresión contracultural, las revistas se alejaron del simple entretenimiento, adoptando una estética más ácida y contenidos críticos en lo social y cultural, como:

-Revistas Trauko

-Matucana

-Bandido.

En permanente escritura, la historia del cómic nacional cumplió en 2006 su aniversario número 100.

El comic y sus funciones

El cómic posee distintas funciones al igual que los otros medios de carácter visual, pero la más relevante es la recreativa. Ese fin evasivo es el que se detecta en los orígenes del cómic cuando tiras y planchas se realizaban fundamentalmente en clave de humor. Con esa misma función evasiva se consolidaron más adelante géneros como los de aventuras. Las series negras de Dick Tracy o Spirit también apelan a esa 1ª función. La ciencia ficción se fija en personajes como Batman, Flash Gordon, Superman o Spiderman, justicieros, con poderes especiales e indumentarias estrafalarias.

Durante la Segunda Guerra Mundial, se percataron de las habilidades persuasivas de cómic y se elaboraron series para elevar la moral de combatientes y ciudadanos. La capacidad persuasiva de la historieta ya se había manifestado durante la Guerra Civil Española tanto en un bando como en el otro. En la posguerra sirvió para propaganda del nuevo régimen.

Bajo la apariencia de su inocua función recreativa, la historieta siempre transmite un modo de entender la vida, unos valores determinados. Tras algunas se encierra violencia y maniqueísmo simplista, rol doméstico de la mujer, sexual , discriminación racial, etc. Como otros medios, tienen contenidos que es preciso analizar para ver que valores se afirman o rechazan.

A partir de los años 60 y en sintonía con la renovación de ideas, sin abandonar su función recreativa aparece una forma de expresión adulta. Se renuevan las viñetas de Tintín, Astérix o Charlie Brown.

En la serie negra aparece mayor complejidad, la ciencia-ficción se recrea en personajes que caracterizan el nuevo mundo tecnificado y hostil. También en el cómic se recrea la historia.

Moebius inventa un universo personal, fantástico. Cómic urbano, con tendencias vanguardistas y personajes galácticos.

Sobre un cómic podemos quitar los textos e inventar con los mismos dibujos otra historieta, se pueden retocar las viñetas y cambiar orden para inventar otra historieta. El cómic también contribuye al desarrollo de la creatividad. Lo llaman el octavo arte y tiene categorías estética y narrativa, casi un siglo de existencia y esta abierto a la libre creación.

Tipos de bocadillos y sus usos

Tipos concretos de globos:

Susurro o cuchicheo: bordes punteados.
Desprecio: los globos expresan la gelidez del discurso del personaje mediante formas que recuerdan al hielo y a las estalactitas.
Globos agregados e interconectados: se utilizan muy a menudo para reflejar secuencias de frases encadenadas, es decir, conversaciones largas, en una sola viñeta.
Monólogo interior, pensamiento o sueño: Este elemento, que en el cine se representa mediante una voz en off, en el cómic se refleja en un bocadillo con bordes redondeados, simulando una nube. El apéndice, a su vez, se sustituye por una serie decreciente de círculos.
Parloteo excesivo: se expresa mediante diversas técnicas, por ejemplo abarrotamiento de globos señalando al mismo personaje o bocadillos muy grandes con una gran cantidad de texto en su interior. Estos recursos derivan en una disminución del espacio reservado para la imagen.
Apéndice compartido: Un mismo bocadillo puede tener varios apéndices si el texto de su interior es pronunciado por varios personajes simultáneamente.
Radio, altavoces y otros aparatos: El sonido emitido por radios, televisiones, teléfonos y otros aparatos que distorsionan la voz suele representarse con un bocadillo con el contorno dentado, el apéndice zigzagueante o ambos a la vez. También se emplea este recurso en las ocasiones en que no se ve quién está hablando (por ejemplo, si está detrás de una puerta cerrada).

TIPOS DE ENCUADRE Y SUS USOS

Tipo de planos según distancia

Un plano puede ser diferente de otro por la distancia en la que se encuentra el observador de aquello que se está encuadrando. Podemos distinguir varios según las distancias.

Gran plano general

Muestra un gran espacio desde lejos. Es descriptivo, se usa típicamente para mostrar grandes escenarios. El humano se ve pequeño en este plano, por lo que también se usa para mostrar algo que sea mucho más grande que un personaje.

Plano general

Muestra a un personaje u objeto completo en su espacio. Puede ser más o menos cercano, mostrando más o menos cantidad del espacio que le rodea. Podría usarse en caso de que se quiera que se perciban tanto personajes como completos como entornos al mismo tiempo.

Plano entero

Muestra a un personaje u objeto completo, normalmente encuadrado más o menos desde los pies a su cabeza. Apenas damos cabida al espacio que le rodea. Es de uso general; se usa mucho para presentar personajes.

Plano americano

En figuras humanas, corta al personaje a la altura de las rodillas, aproximadamente. Es de uso general. Se inventó en el cine Western para que se vieran las pistolas de los pistoleros. Dicen que en cine deja a los personajes a una altura y tamaños óptimos para visualizarlos correctamente en el plano en muchos tipos de escenas.

Plano medio

En figuras humanas, corta al personaje a la altura de su cintura. Representa cercanía, es lo que veríamos de una persona si hablamos con ella a una distancia estándar.

Primer plano

En figuras humanas, muestra más o menos la cabeza y los hombros del personaje. Sirve para centrar por completo la atención en él; se adueña de la viñeta.

Primerísimo primer plano

En figuras humanas, se muestra tan cerca que realmente estamos viendo una parte del cuerpo del personaje. Producen impacto en el lector al acercarse tan agresivamente a una mirada, una sonrisa...

Plano detalle

Este plano muestra un elemento con el propósito de que el lector se fije en él y solo en él. Sirve para que un objeto o parte de un plano no pase desapercibido y el autor da a entender que quiere que todos los lectores, desde los más observadores a los más despistados, tomen esa información.Tipos de plano según el ángulo visualAl margen de la cercanía o lejanía del espectador, los planos también producen diferentes efectos según el ángulo visual, inclinación o punto de vista desde el que se esté encuadrando la viñeta.

Plano picado (y general)

Se enfoca desde una altura superior a la de los ojos (desde arriba). Hace sentir al observador que es superior a lo observado. Puede usarse para empequeñecer personajes, que están observando algo más grande que ellos o simplemente, que están siendo observados.

Plano contrapicado

Se enfoca desde una altura inferior a la de los ojos (desde abajo). Hace sentir al observador que es inferior a lo que se observa. Puede usarse para engrandecer personajes y espacios, que hagan sentir al lector y a los personajes que algo es más grande que ellos.

Plano contrapicado (arriba), dúo de contrapicado-picado (abajo)

En este ejemplo de arriba. Un personaje nuevo aparece y como presuntamente es más fuerte, sus observadores lo ven "desde abajo". En la línea de abajo, el personaje fuerte en cuestión se ve en contrapicado, mientras que el débil se muestra en picado.

Plano cenital

Se enfoca desde arriba con ángulo agresivo. Se usa por estética cuando se pretende mostrar de esa forma a una serie de personajes o escenarios.

Plano nadir (izquierda).

Se enfoca desde abajo con ángulo agresivo. Produce un efecto impactante en donde un elemento observado por los personajes, o los propios personajes, nos parecen realmente grandes.

Plano semisubjetivo

Se llama plano subjetivo al plano que pretende mostrar lo que ve un personaje con sus ojos. Entonces, el plano semisubjetivo es en el que vemos la espalda de un personaje y lo que ve también. Nos da una cara muy íntima del personaje, que queda completamente vulnerable al observador. Si el personaje está en un estado de debilidad nos da la sensación de que puede ser atacado o vulnerado en cualquier momento. Si el personaje está en un estado de superioridad nos inspira una seguridad enorme, ya que conseguimos verle seguro incluso "dando la espalda".

Plano escorzo (derecha)

Muy usado en el manga. Un sujeto está de espaldas en un ángulo de 45º dirigiéndose u observando a otros personajes que están de frente hacia él. Normalmente se lleva a uno personaje a un lado y al otro al lado contrario. En manga se usa muchísimo, por ejemplo, cuando alguien hace una tontería y un personaje le grita, entre otros usos, claro. Es una forma diferente de mostrar una conversación.

Plano holandés

El encuadre se muestra inclinado. Produce inestabilidad, dinamismo, desequilibrio. No confundir esto con las viñetas oblicuas. Una viñeta oblicua "tuerce" el borde la viñeta, mientras que un plano holandés tuerce el eje del dibujo dentro de la viñeta. Pueden usarse estas dos tácticas en la misma viñeta, o no.

Plano frontal

Se enfoca desde una altura media, similar a la altura de los ojos de un observador del tamaño de lo que se muestra. Sirve para evitar producir cualquiera de los efectos de los ángulos de visión. Todos los planos mostrados en la sección anterior (la de distancia) son frontales.

Si no quieres que tu lector se vuelva loco, una buena parte de los planos deberían tener esta angulación. Si quieres que tu lector reciba un ataque epiléptico de angulación, puedes introducir más planos "no frontales" en dichas escenas (por ejemplo, combates, escenas de terror, deportes, etc.).

sTORY bOARD

Un storyboard o guion gráfico es un conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia con el objetivo de servir de guía para entender una historia, previsualizar una animación o seguir la estructura de una película antes de realizarse o filmarse.

El storyboard es el modo de previsualización que consituye el modo habitual de preproducción en la industria fílmica.

El proceso de storyboarding, en la forma que se conoce hoy, fue desarrollado en el estudio de Walt Disney durante principios de los años 1930, después de varios años de procesos similares que fueron empleados en Disney y en otros estudios de animación. El storyboarding se hizo popular en la producción de películas de acción viva durante principios de los años 1940.

En la creación de una película con cualquier grado de fidelidad a una escritura, un storyboard proporciona una disposición visual de acontecimientos tal como deben ser vistos por el objetivo de la cámara.

En el proceso de storyboarding, los detalles más técnicos complicados en el trabajo de una película pueden ser descritos de manera eficiente en el cuadro (la imagen), o en la anotación al pie del mismo.

Dibujos ANIMADOS

El dibujo animado, también llamado caricatura en algunos países de América Latina y en España (también es común nombrarla como animación 2D, animación tradicional o animación clásica), es la técnica de animación que consiste en dibujar a mano cada uno de los cuadros para generar la representación de imágenes en movimiento.

De las técnicas de animación, es la más antigua, y además es históricamente la más popular.

Por lo general se hace interponiendo varias imágenes; así, al dar un movimiento continuo, se dará vida a un personaje animado.

También se usa el término dibujo animado para denominar a las películas, en general de corta duración, que son realizadas con esta técnica (o que simulan estar dibujadas a mano), hechas principalmente para televisión, aunque también se exhiben como largometrajes en los cines, y se ven cada vez más en pantallas de computadora, distribuidas por Internet.

La Nueva Canción Chilena

La Nueva Canción Chilena se desarrolló desde la década de 1960, consolidándose a fines de esos años y proyectándose hacia los primeros años de la década siguiente.

Basada en la recuperación de la música folclórica, sus cultores agregaron factores propios de la música continental, incorporando instrumentos y ritmos de toda el área hispanoamericana. Sin embargo, sus principales antecedentes lo constituyeron importantes folcloristas, compositores e investigadores nacionales, entre los que destacaron: Violeta Parra, Margot Loyola, Gabriela Pizarro y Héctor Pavez. Se puede mencionar también la influencia de poetas como Pablo Neruda y Nicanor Parra, además de la fuerte injerencia de compositores latinoamericanos como el argentino Atahualpa Yupanqui y el cubano Carlos Puebla. En este sentido, fue parte de un gran fenómeno conocido como Nueva Canción Latinoamericana, dentro del que se puede reconocer, por ejemplo, a la Nueva Trova Cubana.

A ese aire folclórico latinoamericano, la Nueva Canción incorporó un fuerte compromiso con el proceso de cambios sociales que vivía Chile en los años sesenta y setenta. De hecho, muchos de sus exponentes asumieron un compromiso efectivo con el gobierno de la Unidad Popular, transformándose en un movimiento musical con una clara militancia política.

En sus inicios, la Nueva Canción constituyó un todo con un gran movimiento de renovación folclórica, donde la tradición se nutrió de innovaciones musicales. Este movimiento de carácter eminentemente masivo, conocido como Neofolclor, paulatinamente fue decantando hasta distinguirse la Nueva Canción como una manifestación particular. Desde esta línea provenían intérpretes como Patricio Manns yRolando Alarcón.

ARTE CONCEPTUAL

El arte conceptual es aquel en el que prevalece la idea sobre la realización artística, es decir, la característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual se puede definir como una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista.

Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.

Este arte, que tiene como antecedente el dadaísmo -el primer movimiento que desmitificó totalmente el arte- y el minimalismo, tiene varias manifestaciones:

Happening. Del inglés “suceso o acontecimiento”, designa una manifestación en la que el autor pretende implicar al espectador usando elementos que no le dejen indiferente.
Body art. Nacido a finales de los sesenta, el artista investiga su propio cuerpo como materia de arte y medio expresivo. Van desde acciones que rozan el sadomasoquismo hasta esculturas vivientes.
Land art. El ‘arte de la tierra’ construye arte con la naturaleza, de una forma ecológica que busca criticar los daños que el hombre causa al entorno natural.
Arte povera: Es un arte anticomercial, pobre, precario y antiformal, realizado con materiales desnudos.

Instalación visual

Las instalaciones consistentes en las intervenciones artísticas de espacios son una manifestación propia del arte contemporáneo conceptual. Este medio de expresión artística surgió en los años sesentas, tiempo en que representó un desafío para la tradición artística en cuestión de su clasificación y una crítica a lo que se consideraba arte en la historia, al objeto artístico físico, estático y coleccionable. Algunos de sus precursores fueron Yves Klein (Francia, 1928-1962), Allan Kaprow (EUA 1927-2006) ó Claes Oldenburg (Suecia 1929) hasta llegar a las más variadas y diversas expresiones de los artistas de nuestros días.

De acuerdo al concepto y contexto que desee el artista, las instalaciones pueden presentarse en cualquier espacio y ser realizadas con los más variados materiales, medios físicos, visuales o sonoros, incluso en muchas ocasiones son acompañadas por otras disciplinas artísticas como la fotografía, el videoarte o el performance.

Por sus características físicas las instalaciones en varias ocasiones tienen un carácter temporal o efímero ya que se realizan especialmente para un sitio en un determinado tiempo de exhibición, aunque en la actualidad algunas son trasladadas a otros espacios, inclusive vendidas al coleccionista.

Otra característica de las instalaciones es la estrecha interacción que logran con el espectador, ya que motivan la percepción sensorial en cualquiera de los sentidos, ya sea vista, oído, gusto, tacto u olfato; ó despiertan emociones, sentimientos o reflexiones. Donde en todo ello da plena cabida la idea o significado que da el artista y lo que individualmente siente cada espectador frente a la obra. Aunque está claro que no sea su intención elemental, muchas instalaciones se caracterizan por incitar rápida y fácilmente asombro, espectacularidad o polémica.

Frédéric Berthelot

Frédéric Berthelot (París, 1961) es un escultor conceptual en cuya obra se tratan principalmente aspectos críticos sobre la globalización de la cultura, el capitalismo y las religiones. Además de la escultura, Berthelot ha realizado incursiones en el mundo de la música, la poesía, el cine, la televisión y el teatro . Desde el año 2002 reside en España.

Obras

Homocode (1997). Bajorrelieve en el que combinaba la evolución humana con el código de barras. El grupo AECOC le encargo una edición especial de la pieza Homocode para su sede central en Barcelona.

XXIst code (1998) Obra desarrollada durante su estancia en México y que representaba una visión irónica sobre las expectativas del tercer milenio.

Mans d'Eivissa (2002). Instalación situada en la Plaça del Parc de Ibiza que rinde homenaje a personas anónimas que, por su existencia y oficio, han dejado huella en el carácter de la isla.

Isla Blanca (2003). Pieza situada en la rotonda de entrada de la extensión de la Marina Botafoch de Ibiza.

FBSK111 (2005) . Escultura de bronce que representa un clásico aspirador de los años 50 reconvertido en silla.

Mans d'Eivissa (2011).Tres nuevas nuevas personalidades pasan a formar parte de la instalación situada en la Plaça del Parc de Ibiza.

Significado de los COLORES

Blanco: El blanco se asocia a la luz, la bondad, la inocencia, la pureza y la virginidad. Se le considera el color de la perfección.

Amarillo: El amarillo simboliza la luz del sol. Representa la alegría, la felicidad, la inteligencia y la energía.

Naranja: El naranja combina la energía del rojo con la felicidad del amarillo. Se le asocia a la alrgría, el sol brillante y el trópico. Representa el entusiasmo, la felicidad, la atracción, la creatividad, la determinación, el éxito, el ánimo y el estímulo.

Rojo: El color rojo es el del fuego y el de la sangre, por lo que se le asocia al peligro, la guerra, la energía, la fortaleza, la determinación, así como a la pasión, al deseo y al amor.

Púrpura: El púrpura aporta la estabilidad del azul y la energía del rojo. Se asocia a la realeza y simboliza poder, nobleza, lujo y ambición. Sugiere riqueza y extravagancia.

Azul: El azul es el color del cielo y del mar, por lo que se suele asociar con la estabilidad y la profundidad. Representa la lealtad, la confianza, la sabiduría, la inteligencia, la fe, la verdad y el cielo eterno.

Verde: El verde es el color de la naturaleza por excelencia. Representa armonía, crecimiento, exuberancia, fertilidad y frescura. Tiene una fuerte relación a nivel emocional con la seguridad. Por eso en contraposición al rojo (connotación de peligro), se utiliza en el sentido de "vía libre" en señalización.

Negro: El negro representa el poder, la elegancia, la formalidad, la muerte y el misterio. Es el color más enigmático y se asocia al miedo y a lo desconocido ("el futuro se presenta muy negro", "agujeros negros"...).

Alejandra Ruddoff

Alejandra Marietta Ruddoff Barrionuevo, conocida habitualmente como Alejandra Ruddoff (1960, Santiago de Chile) es una escultora chilena.

Estudió escultura en la Universidad de Chile, obteniendo una licenciatura en 1985. En 1993 - habiendo recibido una beca de Servicio Alemán de Intercambio Académico acrónimo en alemán DAAD - obtuvo un diploma de posgrado de la Academia de Bellas Artes de Múnich.

Es la primera de los interesados en las interconexiones entre tiempo, espacio, materia, y las leyes del movimiento. Sus obras se inspiran en fuentes de energía y la fuerza motriz del mundo mecanizado de la naturaleza. La característica de su obra es una expresión estética pictórica, abstracta pero sensual que combina las formas naturales y mecánicas.

Arte abstracto

Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.

Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por unlenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa un lenguaje visual deforma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.